Театр из «Призрака оперы»: история Гранд-оперы в Париже. Театр в париже оперы и балета


Театр из «Призрака оперы»: история Гранд-оперы в Париже

Diletant.media продолжает знакомить читателей с величайшими театрами мира. На очереди Гранд-опера или так называемая Опера Гарнье в Париже, один из самых известных театров оперы и балета и «главный герой» знаменитого романа Гастона Леру «Призрак оперы». Как создавалась Гранд-опера, произведения каких великих композиторов были в ее репертуаре, и когда перед театром поставят памятник Дягилеву — обо всем этом узнайте прямо сейчас.

Как ты яхту назовешь, так она и поплывет

У театра «Гранд-опера» непростая судьба. Он был основан в 1669, но назывался тогда по-другому — «Королевская академия музыки». По приказу Людовика XIV организацией театра занялись поэт Пьер Перрен и композитор Робер Камбер. Через два года академию музыки объединили с академией танца и в 1671 году на сцене театра была поставлена первая трагедия «Помона», созданная его основателями. С тех пор название театра не раз менялось, он успел побывать «Театром искусств», «Театром Республики и искусств», «Театром оперы», «Императорской академией музыки», «Королевской академией музыки и танца», а «Гранд-оперой» театра стал называться лишь с 1871 года. Правда, сейчас сами парижане чаще называют его Оперой Гарнье, чтобы не путать с открывшейся в 1989 году Оперой Бастилии.

Опера Бастилии в Париже

В стиле императора Наполеона III

Современное здание театра было спроектировано в 1860 году и строилось почти 15 лет! Виной тому была война 1870 года, падение имперского режима и провозглашение Парижской коммуны. При открытии в 1875 году к власти уже пришла Третья Республика, так что архитектору театра даже пришлось покупать билет за свой счет. А идея постройки появилась, по легенде, в 1858, когда в здании старой оперы совершили покушение на Наполеона III. Император не пожелал больше слушать оперу в этом опасном месте и приказал построить новый театр.

Здание Гранд-оперы строилось почти 15 лет

Конкурс на лучший проект выиграл Шарль Гарнье, тогда еще никому не известный архитектор 35 лет. На своих эскизах Гарнье соединил признаки совершенно разных стилей, благодаря чему получил уникальное здание. Поклонники театра любят рассказывать историю, как однажды императрица Эжени с недоумением спросила у архитектора, что это за стиль. Гарнье не растерялся и ответил: «Это стиль императора Наполеона III.»

Гранд-опера в Париже

Бронза и позолота

Постройка Гранд-оперы потребовала от казны немалых расходов — почти 36 миллионов франков золотом! Это и неудивительно, одной только позолоты на фасад театра, иногда называемого еще дворцом Гарнье, ушло немало. Парадная лестница театра — его настоящая визитная карточка. Вестибюль выложен мрамором всевозможных цветов, внизу лестницы стоят своеобразные торшеры — две бронзовых женских фигуры, держащих настоящие букеты из света. Фойе театра похоже на парадную галерею замка. Из некоторых окон открывается вид на Лувр, и возле одного из них расположена копия бюста архитектора Гарнье. Зал театра выполнен в итальянском стиле в форме подковы.

Постройка Гранд-оперы потребовала 36 млн франков золотом

В 1964 году потолок, украшенный огромной люстрой, расписал сам Марк Шагал! Интересная особенность театра — настоящее подземное озеро, о котором упоминает в своей книге Гастон Леру. Дело в том, что при постройке под фундаментом дворца обнаружили подземные воды, которые пришлось выкачать в большой бетонный резервуар. Теперь это озеро служит запасом воды «на всякий пожарный».

Фойе театра

От Люлли до Мусоргского

На протяжении всей истории театра в нем работали самые известные композиторы, дирижеры и балетмейстеры того времени (балетная школа при Гранд-опере была создана в 1713 году). В конце XVII века театр возглавлял Жан-Батист Люлли, создатель жанра лирической трагедии. XVIII век в театре прославился лирическими трагедиями Жана-Филиппа Рамо, а вторая половина этого столетия знаменита поистине реформаторскими операми Кристофера Глюка, в числе которых произведения на античную тему «Ифигения в Авлиде», «Орфей и Эвридика», «Ифигения в Тавриде» и многие другие. В XIX веке на сцене Гранд-оперы блистал Джоаккино Россини, а к XX веку парижский театр собрал настоящее созвездие композиторов.

Гранд-опера — театр, где работали самые известные композиторы

В репертуаре можно было встретить Модеста Мусоргского («Борис Годунов»), Рихарда Штрауса («Саломея»), Игоря Стравинского («Соловей»), Джордже Энеску («Эдип»), Анри Соге («Пармская обитель») и многих других. К тому же с 1903 по 1913 годы в Гранд-опере были показаны несколько спектаклей в ходе знаменитых парижских «Русских сезонов» Сергея Дягилева.

Жан-Батист Люлли, знаменитый руководитель Гранд-оперы

Парижский Дягилев

О Дягилеве в столице Франции помнят до сих пор. В 2009 году было выдвинуто предложение по установке перед зданием Гранд-оперы памятника знаменитому антрепренёру. В конкурсе победил проект русского скульптора Виктора Митрошина. Правда, Жан Тибери, бывший тогда мэром Парижа, оказался против, так что создание памятника затянулось. Сменивший его на посту Бертран Деланоэ проект поддержал, и дело сдвинулось с мертвой точки. Сейчас за работами следит даже сам Пьер Карден! Правда, когда все-таки установят памятник — пока неизвестно. До этого в Париже уже был установлен бюст Дягилева, созданный петербургским скульптором Левоном Лазаревым.

Процесс создания памятника Дягилеву курирует Пьер Карден

Сергей Дягилев, портрет работы Леона Бакста

Екатерина Астафьева

распечатать Обсудить новость

Рекомендовано вам

diletant.media

Мир оперы - Опера Гарнье (Парижская опера)

Анна Нетребко Анна Юрьевна Нетребко - российская оперная певица, сопрано. Анна Нетребко родилась 18 сентября 1971 года в Краснодаре. Отец – Нетребко Юрий Николаевич (1934), окончил Ленинградский горный институт, инженер-геолог. Живет в Краснодаре. Мать – Нетребко Лариса Ивановна (1944-2002), инженер связи.  Старшая сестра Анны, Наталья (1968), живет с семьей в Дании. Анна Нетребко стремилась попасть на сцену с детских лет. Во время учебы в школе она была солисткой ансамбля "Кубанская пионерия" при краснодарском Дворце пионеров. В 1988 году, после окончания школы Анна решила ехать в Ленинград – поступать в музыкальное училище, на отделение оперетты, чтобы потом перевестись в театральный ВУЗ. Однако ее музыкальные способности не остались незамеченными приемной комиссией училища – Анну приняли на вокальное отделение, где она занималась у Татьяны Борисовны Лебедь. Два года спустя, не закончив училище, она успешно прошла конкурс и поступила в Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н.А.Римского-Корсакова, где занималась по классу вокала у профессора Тамары Дмитриевны Новиченко. К тому времени Анна всерьез увлеклась оперой, а Мариинский театр, находившийся неподалеку от консерватории, стал ей вторым домом. Чтобы регулярно бывать в театре и иметь возможность смотреть все спектакли на его сцене, Анна устроилась в театр уборщицей и в течение двух лет, наряду с учебой в консерватории, мыла полы в фойе театра. В 1993 году в Смоленске проходил Всероссийский конкурс вокалистов им. М.И.Глинки. Жюри конкурса возглавляла Народная артистка СССР Ирина Архипова. Будучи студенткой 4-го курса консерватории, Анна Нетребко не только приняла участие в конкурсе, но и стала его победителем, получив 1-ю премию. После победы в конкурсе Анна прошла прослушивание в Мариинском театре. Присутствовавший на прослушивании художественный руководитель театра Валерий Гергиев сразу дал ей роль Барбарины в готовившейся постановке оперы Моцарта "Свадьба Фигаро". Неожиданно на одной из репетиций режиссер Юрий Александров предложил Анне попробовать спеть партию Сюзанны, что Анна сделала тут же без единой ошибки, и затем была утверждена на главную роль. Так в 1994 году состоялся дебют Анны Нетребко на сцене Мариинского театра. После дебюта Анна Нетребко становится одной из ведущих солисток Мариинского театра. За время работы в нем она спела во множестве спектаклей. Среди ролей на сцене Мариинки были: Людмила ("Руслан и Людмила"), Ксения ("Борис Годунов"), Марфа ("Царская невеста"), Луиза ("Обручение в монастыре"), Наташа Ростова ("Война и мир"), Розина ("Севильский цирюльник"), Амина ("Сомнамбула"), Лючия ("Лючия ди Даммермур"), Джильда ("Риголетто"), Виолетта Валери ("Травиата"), Мюзетта, Мими ("Богема"), Антония ("Сказки Гофмана"), Донна Анна, Церлина ("Дон Жуан") и другие. В 1994 году в составе труппы Мариинского театра началась гастрольная деятельность Анны Нетребко за рубежом. Певица выступала в Финляндии (фестиваль в Миккели), Германии (фестиваль в Шлезвиг-Гольштейне), Израиле, Латвии. Первое из числа судьбоносных зарубежных выступлений Анны Нетребко состоялась в 1995 году в США, на сцене Оперы Сан-Франциско. По словам самой Анны, большую роль в американском дебюте сыграл Пласидо Доминго. Девять спектаклей "Руслана и Людмилы", в которых Анна пела главную партию Людмилы, принесли ей первый в карьере громкий успех за рубежом. С тех пор Анна Нетребко выступает на самых престижных оперных сценах мира. Особое место в карьере Анны занял 2002-й год, когда из известной певицы она превратилась в приму мировой оперы. В начале 2002 года Анна Нетребко вместе с Мариинским театром выступила на сцене Метрополитен Опера в спектакле "Война и мир". Ее исполнение партии Наташи Ростовой произвело сенсацию. "Одри Хепберн с голосом" - так назвали Анну Нетребко в американской прессе, отмечая ее вокальный и драматический талант вкупе с редкостным обаянием. Летом того же года Анна выступает в роли Донны Анны в опере В.А.Моцарта "Дон Жуан" на фестивале в Зальцбурге. На эту роль ее пригласил знаменитый дирижер Николаус Арнонкур. Выступление Анны в Зальцбурге произвело фурор. Так Зальцбург подарил миру новую суперзвезду. После Зальцбурга популярность Анны Нетребко стремительно растет от спектакля к спектаклю. Теперь для участия в постановках Анну стараются заполучить ведущие оперные театры мира. С тех пор жизнь оперной дивы Анны Нетребко несется на колесах поездов, пролетает на крыльях авиалайнеров. Мелькают города и страны, сцены театров и концертных залов. После Зальцбурга – Лондон, Вашингтон, Санкт-Петербург, Нью-Йорк, Вена... В июле 2003 года на сцене Баварской оперы в "Травиате" Анна впервые поет вместе с мексиканским тенором Роландо Виллазоном. Этот спектакль дал начало самому знаменитому и востребованному в наши дни оперному дуэту или, как его называют, "dream couple" – дуэту мечты. Спектакли и концерты с участием Анны и Роландо расписаны на много лет вперед. Снова мелькают страны и города. Нью-Йорк, Вена, Мюнхен, Зальцбург, Лондон, Лос-Анжелес, Берлин, Сан-Франциско... Но самый главный, поистине триумфальный успех пришел к Анне в 2005 году в том же Зальцбурге, когда она выступила в исторической постановке Вилли Деккера, в опере Верди "Травиата". Этот успех поднял ее не просто на вершину – он вознес ее на Олимп оперного мира! Анна Нетребко выступает с крупнейшими дирижерами мира, среди которых Валерий Гергиев, Джеймс Левайн, Сейджи Озава, Николаус Арнонкур, Зубин Мета, Колин Девис, Клаудио Аббадо, Даниел Баренбойм, Эммануель Виллаум, Бертран де Бюйи, Марко Армилиато. В 2003 году с Анной Нетребко заключила эксклюзивный контракт известнейшая фирма "Дойче Граммофон". В сентябре 2003 года вышел первый альбом Анны Нетребко "Оперные арии". Певица записала его с оркестром Венской филармонии (дирижер Жанандреа Нозеда). В альбом вошли популярные арии из различных опер – "Русалки", "Фауста", "Богемы", "Дон Жуана", "Сомнамбулы". Невероятный успех имел фильм "The women – the voice", в котором Анна снялась в пяти оперных клипах, созданных голливудским режиссером Винсентом Паттерсоном, ранее работавшим с Майклом Джексоном и Мадонной. В августе 2004 года вышел второй сольный альбом певицы "Sempre Libera", записанный с Малеровским оркестром и Клаудио Аббадо. Третий сольный альбом, записанный с оркестром Мариинского театра и Валерием Гергиевым, "Русский альбом", вышел в 2006 году. Все три альбома стали платиновыми в Германии и Австрии, а "Русский альбом" был номинирован на "Грэмми". В 2008 году "Дойче Граммофон" выпустил четвертый сольный диск Анны – "Сувениры", который был записан с пражским симфоническим оркестром и Эммануэлем Виллаумом. Огромный успех ждал еще один компакт-диск – "Дуэты", который Анна записала на пару со своим постоянным партнером Роландо Виллазоном. В начале 2009 года выходит компакт-диск с записью венского спектакля 2008 года "Капулети и Монтекки", в котором Анна спела вместе с другой суперзвездой – латвийской меццо-сопрано Элиной Гаранчей. Двух выдающихся оперных певиц и прекрасных женщин – Анну Нетребко и Элину Гаранчу в последнее время стали называть women dream couple - женским "дуэтом мечты". Дойче Граммофон, а также некоторые другие фирмы выпустили видеозаписи нескольких оперных спектаклей с участием Анны Нетребко. Среди них – "Руслан и Людмила" (1995), "Обручение в монастыре" (1998), "Любовный напиток" (Вена, 2005), "Травиата" (Зальцбург, 2005), "Пуритане" (МЕТ, 2007), "Манон" (Вена, 2007), "Манон" (Берлин, 2007). В начале 2008 года режиссер Роберт Дорнхольм снял фильм - оперу "Богема" с участием в главных ролях Анны Нетребко и Роландо Виллазона. Премьера фильма состоялась в Австрии и Германии осенью 2008 года. Право на показ фильма приобрели многие страны мира. В марте 2009 года фирма "Axiom films" начинает реализацию записи фильма на DVD. Анна Нетребко также снялась в эпизодической роли в голливудском фильме "Дневник принцессы-2" (студия "Walt Disney", режиссер Гарри Маршалл). Необыкновенную популярность приобрели концертные выступления Анны Нетребко. Среди самых известных можно назвать концерт в Карнеги-холл с Дмитрием Хворостовским в 2007 году, в Королевском Альберт Холле в Лондоне (концерт Prom BBC, 2007), а также ставшие легендарными совместные концерты Анны Нетребко, Пласидо Доминго и Роландо Виллазона (Берлин-2006, Вена-2008). Телетрансляции, а также записи концертов в Берлине и Вене на DVD имели большой успех. После победы на конкурсе им. Глинки в 1993 году Анна Нетребко многократно была отмечена самыми разными премиями, званиями, наградами. Среди ее достижений: - лауреат II Международного конкурса молодых оперных певцов им. Н.А.Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 1996) - лауреат премии "Балтика" (1997) - лауреат российской музыкальной премии "Casta Diva" (1998) - лауреат высшей театральной премии Санкт-Петербурга "Золотой софит" (1999, 2005, 2009). Среди других достижений Анны Нетребко – престижная немецкая премия "Бамби", австрийская премия "Amadeus Awards", звания "Певица года" и "Женщина – музыкант года", полученные в Великобритании (Classical BRIT Awards), девять премий Echo Klassik, присужденные в Германии, а также две номинации на "Грэмми" (за диски "Violetta" и "Russian Album"). В 2005 году в Кремле Президент России В.В.Путин вручил Анне Нетребко Государственную премию РФ, которой она была удостоена "за выдающийся вклад в российскую музыкальную культуру". В 2006 году губернатор Краснодарского края А.Ткачев наградил Анну Нетребко медалью "Герой труда Кубани" за высокий вклад в мировое оперное искусство. В 2007 году журнал "Time" включил Анну Нетребко в список "100 самых влиятельных людей в мире". Это первый в истории случай, когда оперная певица попала в список "Time", в который включаются "мужчины и женщины, чьи власть, талант и моральный пример изменяют мир". Самый же значимый в своей карьере титул Анна Нетребко получила в 2008 году, когда авторитетнейший американский журнал "Музыкальная Америка" назвал Анну Нетребко "Музыкантом года". Эта награда под стать не то что "Оскару", скорее – Нобелевской премии. Ежегодно, начиная с 1960 года, журнал называет главного человека в мировой музыке. За всю историю подобной чести удостаивались лишь пятеро оперных певцов – Леонтин Прайс, Беверли Силлз, Мэрилин Хорн, Пласидо Доминго, Карита Маттила. Анна Нетребко стала шестой в избранном ряду самых выдающихся оперных артистов. Нетребко посвящали большие статьи многие "глянцевые" журналы – в том числе Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper′s Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Она была гостьей и героиней таких популярных телепрограмм, как Good Morning America на NBC (Ночное шоу с Джеем Лино" на Эн Би Си), 60 minutes на CBS и немецкая Wetten, dass..? Документальные фильмы об Анне демонстрировались на телеканалах Австрии, Германии, России. В Германии изданы две ее биографии. По сообщениям мировой прессы, в конце 2007 года Анна Нетребко обручилась с коллегой по оперной сцене – уругвайским баритоном Эрвином Шроттом. В начале февраля 2008 года мировые и российские СМИ сообщили о сенсации: Анна Нетребко ждет ребенка! Последнее выступление Анны перед перерывом, связанным с родами, состоялось 27 июня 2008 года в Вене, во дворце Шеннбрунн. Анна выступила в концерте вместе со своими прославленными партнерами Пласидо Доминго и Роландо Виллазоном. Через два месяца и неделю, 5 сентября 2008 года в Вене у Анны родился сын, которого счастливые родители назвали латиноамериканским именем – Тьяго Аруа. Уже 14 января 2009 года Анна Нетребко возобновила сценическую деятельность, выступив в спектакле Мариинского театра "Лючия ди Ламмермур". В конце января - начале февраля Анна пела партию Лючии на сцене Метрополитен Опера. Последний, четвертый спектакль, состоявшийся 7 февраля, транслировался в прямом эфире по программе "The MET Live in HD" на экраны кинотеатров Америки и Европы. Трансляцию смотрели зрители в 850 кинотеатрах в 31 стране. Анна Нетребко в третий раз удостоилась такой чести. Ранее в кинотеатры многих стран мира транслировались в прямом эфире спектакли Метрополитен Опера – "Ромео и Джульетта" и "Пуритане". В 2006 году Анна Нетребко получила австрийское гражданство, сохранив при этом российское. Постоянно передвигаясь по всему миру, из одной страны в другую, Анна, тем не менее, всегда рада вернуться в свой собственный дом. Куда именно? У Анны квартиры в Санкт-Петербурге, Вене и Нью-Йорке. По словам самой Анны, она "вовсе не зациклена на опере и сцене". Понятно, что с рождением ребенка все свои редкие свободные дни и часы Анна отводит сыну, который постоянно сопровождает Анну во всех ее переездах и гастролях. Но прежде чем стать мамой, Анна в свободное время с удовольствием рисовала, ходила по магазинам и в кино, слушала популярную музыку. Любимый писатель – Акунин, любимые киноактеры – Бред Питт и Вивьен Ли. Из популярных певцов Анна выделяла Джастина Тимберлейка, Робби Уильямса и группу "Greenday", а в последнее время – Эми Вайнхаус и Даффи. Анна Нетребко принимает участие в благотворительных программах и акциях как в России, так и за рубежом. К числу самых серьезных относится проект SOS-KinderDorf, действующий в 104 странах мира. Кроме того, певица участвует в проекте "Anna" (программа помощи детским домам Калининграда и Калининградской области), помогает международному благотворительному фонду "Рериховское наследие", а также находящемуся в Пушкине детскому ортопедическому институту им. Г.И.Турнера.     Источник: http://annanetrebko-megastar.ru/

www.operaworld.ru

Гранд-Опера - крупнейший французский театр оперы и балета в Париже

Красиво и интересно...|Гранд Опера

Grand  L'Opéra Гранд-Опера  - крупнейший французский театр оперы и балета в Париже

(официальное название "Национальная академия музыки и танца)

Boggs Frank Myers_Grand Opera House

Victor Navlet_Escalier de l'Opéra à Paris.

 В момент своего основания - в 1669 году - театр назывался Королевской академией музыки. Король Людовик XIV выдал патент поэту П. Перрену и композитору Р. Камберу на организацию постоянного оперного театра в Париже. В 1671 году после объединения с Королевской академией танца театр был преобразован в Королевскую академию музыки и танца, которая начала свою деятельность 3 марта 1671 года постановкой музыкальной трагедии "Помона", написанной его основателями - П. Перреном и Р. Камбером.

Дворец Гарнье — тринадцатая по счёту парижская опера после официального признания этого вида искусстваЛюдовиком XIV 1669 году    После покушения на свою жизнь 14 января 1858 года в здании старой оперы на улице Лё Пёлетье́ (Le Peletier) Наполеон III отказался его посещать и потребовал новое здание. Был объявлен конкурс на лучший проект здания, и победителем стал никому неизвестный тридцатипятилетний Шарль Гарнье. Работы по возведению оперы длились 15 лет — с 1860 по 1875, с многочисленными перерывами из-за   войны 1870 года, падения имперского режима,Парижской коммуны. Завершение работ к 30 декабря 1874 года вылилось в общую сумму расходов 36 миллионов франков золотом. Оставались недоделанные места, например Зеркальная ротонда и курительная галерея. Последняя так никогда и не была закончена. Впервые Гранд Опера́ открылась 15 января 1875 года.

Наполеон III и императрица посетили работы Оперного театра_Ed.Gilis

В результате получилось одно из самых интересных произведений архитектуры эпохи Наполеона III. Фасад поражает обилием декоративных элементов, характерных для той эпохи. Здание стоит на возвышении в несколько широких ступеней. Нижний этаж оформлен высокими арками и массивными пилонами, перед которыми множество скульптурных групп. Перед вторым пилястром справа - восхитительный шедевр Жана-Батиста Карпо "Танец". Второй этаж отличается от первого изяществом высоких парных колонн, которые обрамляют огромные окна. Интерьер театра не менее роскошен, чем фасад.

Вход в Оперу , парадная лестница.

 

Парадная лестница, ведущая в зал, салоны и фойе 1877 by Louis Beroud

Вестибюль главной лестницы — одно из самых знаменитых мест Оперы Гарнье. Выложенный  мрамором разных цветов, он вмещает двойной пролёт лестницы, ведущей к театральным фойе и этажам театрального зала. Парадная лестница это тоже театр, та сцена, где во времена кринолинов дефилировала избранная публика. На четырых частях расписанного потолка изображены различные музыкальные  аллегории.Внизу лестницы стоят два бронзовых торшера— женские фигуры, держащие букеты из света.

украшенная парадная лестница во время торжественных приемов

Большое фойе

Фойе — место прогулок зрителей во время антракта — просторны и богато украшены. Свод первого фойе покрыт прелестной мозаикой c золотым фоном. Отсюда прекрасный вид на всё пространство парадной лестницы.Большое фойе было задумано Гарнье по образцу парадных галерей старых замков. Игра зеркал и окон визуально придает галерее еще больший простор. На великолепном, расписанном Полем Бодри потолке — сюжеты музыкальной истории, а главным декоративным элементом служит лира. Она повсюду в этом декоративном царстве — от сводов до решеток отопления и дверных ручек. В центре фойе, возле одного из тех окон, откуда открывается вид на Оперный проспект до самого Лувра, установлена копия бюста Шарля Гарнье скульптора Карпо.В конце галереи с баром находится Зеркальный салон — чистая и светлая ротонда с хороводом вакханок и фавнов на потолке, расписанном Клэрэном (Clairin), с изображениями на стенах различных напитков (чай, кофе, оранжад, шампанское…), а также рыбной ловли и охоты. Завершенный уже после открытия Оперы, салон продолжает хранить дух 1900-го года.

Jules Herve

Зал театра выполнен в итальянском стиле

Красно-золотой зрительный зал в итальянском стиле выполнен в форме подковы. Он освещен огромной люстрой из хрусталя, а потолок расписан в 1964 году Марком Шагалом. Зал вмещает 1900 зрительских кресел (всего 2130 мест), отделанных красным бархатом. Великолепный занавес из расписной ткани имитирует красную драпировку с золотыми галунами и кистями.

Вид с Оперной авеню

Вид с бульвара Османа

Antoine Blanchard

А еще я вам рекомендую посетить очень интересную виртуальная прогулку по Гранд Опера

просто нажми на картинку

Серия сообщений "Историческая рубрика":Часть 1 - Наполеон Бонапарт и Жозефина | Первая частьЧасть 2 - Наполеон Бонапарт и Мария-Луиза | Вторая часть.Часть 3 - Наполеон III и Евгения |Династия Бонапартов в живописи.Часть 4 - Красиво и интересно...|Гранд ОпераЧасть 5 - ИсторическиКоролевское...Часть 6 - Антикварная мебель.

maristew.livejournal.com

Гранд Опера Гарнье — Nice Places

Гранд Опера Гарнье

5 января 1875 года, когда не было уже ни Османна, ни императора Наполеона III, когда пожар Коммуны 1870 года спалил почти весь Париж, через пятнадцать лет после начала работ, президент Французской республики МакМаон и архитектор Гарнье торжественно открыли самый большой в Европе театр. Отныне название Парижская Опера ассоциируется только с этим зданием…

Оперное искусство во Франции зародилось в самом начале XVII века. Некоторые исследователи даже определились с более точной датой – 1600 год. Именно в этом году итальянский композитор Якопо Пери написал «Эвридику» — оперу, которая должна была звучать во время торжеств, посвященных бракосочетанию Марии Медичи и короля Франции Генриха IV. Пиком развития оперы считается эпоха правления Людовика XIV.

В истории оперного Парижа произошло немало событий, прежде чем Гранд Опера увидела свет. Король безумно любил музыку, хорошо танцевал и даже принимал участие в театральных постановках. В Версале музыка практически никогда не стихала. Без музыкального сопровождения не проходило ни одно королевское застолье, и даже опочивать монарх отправлялся под звуки своих любимых мелодий. Концерты также были частым явлением при дворе: в месяц их проводилось не менее двух десятков. Король покровительствовал музыкантам и был известным меценатом. С основанием в 1669 году королевской академии музыки толчок к развитию получили опера и балет. В Версале был создан первый театр, в котором проходили только балетные и оперные представления. Власть и опера были одним целым, музыканты не только принимали участие в королевских спектаклях, но и становились свидетелями и участниками придворных интриг. Важные политические вопросы решались в театральных ложах.

 

#2#

Первые оперные постановки в Париже проходили в разнообразных помещениях, в основном это были залы, использовавшиеся раньше для игры в мяч. Благодаря ходатайствам придворного композитора Люлли место труппы Мольера, который только отошел на тот свет, в театре Королевского дворца заняла Опера. Случившийся в 1763 году пожар вынудил музыкантов сменить зал. Позже залы менялись еще несколько раз, и каждый переезд был спровоцирован опять же пожаром.

В 1793 году Опера переехала в свой первый настоящий театр – зал Лувуа. В полнее возможно, что и сегодня это здание оставалось домом парижской Оперы, если бы не ужасное происшествие, случившееся тут в феврале 1820 года. В тот злосчастный день здесь ждали высокого гостя – брата Людовика XVIII герцога Беррийского. Но посмотреть представление тому не удалось, на ступенях театра на герцога напал некий Лувель, одержимый навязчивой идеей – убить всех Бурбонов. Преступник, вооруженный шилом, нанес брату короля несколько ранений, которые оказались смертельными. Монарх был так взбешен, что приказал снести здание, и на его месте поставить памятник. В наши дни там, где раньше стоял зал Лувуа, плещется фонтан.

 

#1#

Пришлось труппе в очередной раз переезжать. Новым оплотом Оперы стал зал Пелетье, который построили из камней разобранного Лувуа. И вновь возле театра разыгралась трагедия. Теперь здесь была взорвана бомба, не обошлось без жертв – 8 человек погибли. Как оказалось, этот теракт был совершен итальянскими карбонариями, планировавшими убить Наполеона III. Однако покушение провалилось – император в тот день на спектакль почему-то не поехал. Правда, театр на этот раз сносить не стали, но был объявлен конкурс на проект нового здания для Гранд Оперы в Париже.

Просуществовав около двухсот лет, Парижская Опера меняла залы двенадцать раз. Но ни один из них не отражал тот высокий статус, который имела Опера в общественной, культурной и политической жизни Франции. В 1852 г. новый император Наполеон третий решил кардинальным образом изменить облик столицы. Курировать этот проект стал барон Османн, человек, который был абсолютно равнодушен к историческому и культурному наследию Парижа и заботился лишь об экономической стороне вопроса.

 

#9#

Наполеон III выбрал барона только потому, что тот стал первым, кто вознес ему хвалу, воскликнув: «Слава императору!» Османн был сторонником радикальных мер: чтобы проложить новые бульвары, он уничтожил немало архитектурных памятников и даже целых кварталов, хранивших вековую историю французской столицы. Он даже планировал построить метро, правда, в силу определенных причин от этой задумки пришлось отказаться. Было много недовольных. Однако, годы, прошедшие со времен Османна, показали, что столь глобальные перемены не были такими уж плохими. Ведь в наши дни красота Парижа, его неповторимый стиль привлекают миллионы туристов. А их восторженные возгласы – заслуга барона, под началом которого работали самые талантливые архитекторы, художники и скульпторы.

На конкурс по созданию нового оперного театра был прислан 171 проект. Среди них были работы многих знаменитых архитеторов, но комиссия выбрала малоизвестного молодого человека Шарля Гарнье. Его победа хоть и была неожиданна, но зато легко объяснима. Дело в том, что Гранье в своем проекте отразил главные предпочтения той эпохи, ведь тогда французы считали: чем роскошнее, тем лучше.

 

#4#

Салоны той поры были увешаны различными зеркалами и золотыми рамами, и все это на фоне разноцветных бархатных обивок. В зажиточных домах наблюдалась настоящая мешанина стилей. Гостиная могла быть отделана в стиле Людовика XV, спальня – в духе Людовика XVI, а столовая могла отражать все каноны эпохи Ренессанса. В общем, единство и чистота линий были явлениями крайне редкими. Позже у этого эстетического хаоса даже появилось название – стиль Второй Империи. Здание, предложенное Шарлем Гранье, полностью соответствовало этому стилю.

Торжественное открытие самого большого театра в Европе состоялось 5 января 1875 года, спустя 15 лет после начала строительства. Ни барон Османн, ни император Наполеон III до этой даты не дожили, зато на открытии присутствовал Шарль Гранье и французский президент МакМаон. С тех пор это здание называется Парижской Оперой.

 

#11#

 

Театр потрясает своей претенциозностью и помпезностью. Складывается впечатление, что при его строительстве были использованы все известные на тот момент архитектурные приемы. Среди элементов отделки можно заметить мотивы, позаимствованные из старого Лувра и древнегреческих храмов. Аттик, венчающий здание, украшен двумя массивными скульптурными композициями, которые символизируют Гармонию и Поэзию.

Но архитектурная мысль Гранье идет и дальше: на куполе театра он устанавливает скульптуры Пегаса и Аполлона. Эта задумка архитектора впоследствии высмеивалась недоброжелателями, будто он «перепутал театр с ипподромом». Внутри практически невозможно найти свободное пространство – повсюду развешены разнообразные барельефы, в стенных нишах установлены бюсты знаменитых композиторов.

 

#13#

Внутренне убранство также чересчур вычурно, тут доминируют красные и золотые тона. Основное внимание во внутренней архитектуре сконцентрировано не на сцене, а на огромном фойе и парадной лестнице. В убранстве интерьеров широко использован стиль рококо. Несмотря на то, что отдельные элементы и приемы далеко не всегда сочетаются друг с другом, в целом здание выглядит вполне гармонично и монументально.

Автор Андрей Гецевич

 

Метки:Архитектура

www.nice-places.com

Гранд Опера – легендарный оперный театр | Путешествия по Франции

Место в Париже: place de l`Opera. Метро: Opera.

История Гранд Оперы напрямую связана с покушением на Наполеона III. В январе 1858 года в сопровождении своей супруги императрицы Евгении, император отправился на просмотр прощального выступления Жана Массоля в зал Пелетье, на углу улиц Россини и Друо, где еще с 1821 года выступали оперные певцы. Когда императорская карета останавливалась у входа в театр, прогремели три взрыва. В результате покушения, организованного итальянским революционером Фелице Орсини погибло восемь человек и сто пятьдесят было ранено.

Покушение на императора подвигло городские власти на поиски просторного и безопасного места для строительства нового оперного театра. Впервые в истории архитектор не был назначен городскими властями, а выбирался на конкурсе. Жюри единодушно поддержало проект архитектора Шарля Гарнье, который уже в возрасте тридцати пяти лет получил Римскую премию, однако же, широкой публике был мало знаком.

Вскоре началось строительство. В связи с тем, что на сцене планировалась установка декораций высотой в пятнадцать метров, фундамент под ней должен был залегать достаточно глубоко. При проведении земляных работ были даже обнаружены подземные озера. Их пришлось осушить, создав резервуар с водой для устойчивости фундамента и на случай тушения возможного пожара. С подземельями Оперы связано много легенд. Поговаривали, что под зданием течёт подземная река и называли её «Гранж-Бательер» или «руисо де Монмартр». В знаменитом романе «Призрак оперы» Гасто Леру говорит, что под зданием находится необъятных размеров подземное озеро. А актёр Луи де Фюнес в фильме Жерара Ури «Большая прогулка» скрывается от преследователей на лодке по подземной речке, проходящей под оперным театром.

Шарль Гарнье работал над своим проектом более года. В июле 1862 года государственный министр граф Валевски закладывает первый камень нового театра. Однако строительство было частично прервано разразившейся в 1870 году войной, во время которой недостроенное здание использовалось для хранения военных запасов.

Сразу после войны стройка возобновляется. Здание театра слило в себе сразу несколько архитектурных стилей: классический, барокко и модерн. Например, цвет мрамора, использовавшийся для фасада, вышел из моды ещё во времена царствования Людовика XIV.

Существует легенда, что императрица Евгения увидев проект архитектора воскликнула: «Что это ещё за стиль? Это не стиль! Такой не использовался ни в Греции, ни при Людовике XIV, ни при Людовике XV! В этом нет стиля!». А Шарль Гарнье в ответ тихо сказал: «Эти стили, мадам, ушли в прошлое. Это стиль Наполеона III».

Шарль Гарнье желал придать каждой детали живость и яркость, для того чтобы архитектура здания гармонировала тому зрелищу, которое зрители увидят на сцене. Главный фасад Оперы роскошен и имеет семь арок и четыре скульптуры, изображающих Музыку, Поэзию, Драму и Танец. Верх здания украшает величественный сияющий купол.

Внутри театра всё также сверкает золотом. Шарль Гарнье долго раздумывал над тем, как сделать так, чтобы вся обстановка внутри театра переносила зрителей в большой зал, в тот самый момент, когда на сцене поднимается занавес.

Похожие статьи:

Метки: Grand opera, балет, гарнье, Гранд Опера, достопримечательности, описание, Париж, театр, фото, фотографии, Франция    

www.voyagesenfrance.ru

Балет Парижской национальной оперы: виртуально и наяву...

Игорь Корябин, 01.03.2011 в 20:23

Время неумолимо движется вперед — и нынешние гастроли Балета Парижской оперы в Москве — уже пятые. Визитеров из Франции Первопрестольная принимала в 1958, 1970, 1977 и 1991 годах. Гастроли 2011 года, пожалуй, слегка запоздали, ибо так и не смогли вписаться в рамки 2010 года. Случись так, это было бы вполне естественно, ведь прошлый год был провозглашен годом России во Франции и Франции в России. Понятно, что ко всему французскому русский человек испытывает особый пиетет, а к французскому балету, несмотря на то, что, как говорится, «сами не лыком шиты» и до сих пор «впереди планеты всей», – и подавно! По репертуарно-программному размаху первые гастроли были самыми пышными и продолжительными, вторые – уже скромнее, третьи обозначили некий локальный творческий всплеск, а начиная с четвертых и кончая пятыми, в этом отношении наметилось планомерное и неуклонное «убывание по экспоненте»: последние гастроли, которые от предыдущих отделяет 20 лет – самый большой отрезок! – вынесли на суд публики всего две различные программы. Вечер одноактных балетов (хореография Лифаря, Пети и Бежара) был показан четыре раза, нашумевший в свое время балет «Парк» Прельжокажа – трижды (его мировая премьера состоялась на сцене Парижской оперы в 1994 году). Но, по-видимому, подобная тенденция узости гастрольного репертуара может быть объяснена тем, что в силу отсутствия Основной сцены Большого театра по причине ее продолжающейся реконструкции, ничего не оставалось, как давать спектакли на крохотной Новой сцене (охватить иные массово-зрелищные площадки, как это частично имело место на протяжении первых трех гастролей, организаторы на этот раз не решились). Тогда закономерен вопрос: если очерченная тенденция имеет место, то стоило и затевать-то весь этот гастрольный проект? Ответ на это может быть только один: стоило!

Стоило! Хотя бы ради того, чтобы понять: на сегодняшний день эта труппа уже – а может быть, всё пока еще – не та, что была раньше. В ней, несомненно, есть вполне профессиональные солисты, но вот ярко темпераментных харизматичных личностей сегодня в ней маловато… Стоило! Хотя бы ради того, чтобы в очередной раз, как и в 1991 году, сокрушиться что в программу нынешних гастролей опять не был включен никакой полнометражный классический балет (следует заметить, что в мае в качестве ответного шага Большой театр тем не менее повезет в Париж «классику классики», балет «Дон Кихот», а также советскую классику, «Пламя Парижа»). Лишь дважды в программу московских гастролей включалась проверенная временем «чистая двухактная классика»: 1958 году – «Жизель», в 1977-м – «Сильфида» (хореографическая фантазия Лакотта по мотивам Филиппо Тальони). В 1970 году «полнометражка» была представлена двумя оригинальными постановками – «Собором Парижской богоматери» Пети и «Коппелией» Декомбе, в 1991-м – «Сном в летнюю ночь» Ноймайера. И надо сказать, что и хореография Ноймайера в 1991-м, и хореография Пети и Бежара в 2011-м французской труппе была гораздо более к лицу, чем чистая классика. На прошлых гастролях задуматься об этом заставил «Вечер молодых солистов», а на этих – «Сюита в белом» Лифаря, пленительный вариант хореографической классики ХХ века… Стоило! Хотя бы ради того, чтобы таких тогда еще только начинавших свой путь артистов, как Изабель Сьяраволу, Жозе Мартинеза и, в особенности, в последствии любимца московской публики Николя Ле Риша, выступивших в 1991 году в Москве в «Вечере молодых солистов», вновь увидеть в 2011-м уже в ранге этуалей!.. Наконец, стоило хотя бы ради того, чтобы однозначно и окончательно убедиться: «Парк» Прельжокажа, стыдливо выдаваемый за балет в трех действиях (хотя идет он всего-то от силы полтора часа без антракта) и превозносимый на родине хореографа едва ли не его главным шедевром XX века, на самом деле является весьма сомнительной попыткой растянуть одноактную очень даже привлекательную хореографическую миниатюру (третий акт) на три действия, весьма бесхитростно и не очень-то искусно «прилепив» к ней первые два акта…

На этот раз реальному пришествию Балета Парижской оперы на московские подмостки (10 – 17 февраля) предшествовала и своеобразная виртуальная прелюдия, в виде прямой кинотрансляции со сцены Palais Garnier одноактного балета «Калигула» в постановке Николя Ле Риша, испробовавшего себя уже и в качестве хореографа. Она состоялась 8 февраля, аккурат за два дня до открытия московских гастролей – и в том, что это явно не простое совпадение, вряд ли нужно кого-то убеждать. В Москве киноверсию «Калигулы» можно было увидеть в кинотеатре «Художественный» в рамках проекта «Cinema Emotion», осуществляемого компанией «Невафильм». И с этой кинопрелюдии мы и начнем наш краткий экскурс.

Сентиментальный Калигула

Балетмейстерский дебют Николя Ле Риша на сцене Парижской оперы состоялся в 2005 году. Его балет «Калигула» был поставлен на музыку «Времен года» Вивальди с вкраплениями электроакустических композиций Луиса Дандреля. Сценарный план балета хореограф разрабатывал в содружестве с драматургом Гийомом Гайенном. Несмотря на то, что общая продолжительность этого опуса – всего-то 1 час 25 минут без антракта, он позиционируется как балет в пяти актах! В своем неумном стремлении к явно искусственной многоактности, «Калигула», несомненно, перещеголял даже трехактный «Парк» Прельжокажа, длящийся примерно те же самые полтора часа. Складывается, ощущение, что это просто отличительная особенность французского балетмейстерского менталитета: любой ценой, желательно меньшей, непременно поставить многоактный спектакль! Совершенно, очевидно, что и «Калигула», и «Парк» – это, по существу, одноактные, с точки зрения условий своего проката, спектакли, и в данном случае можно говорить лишь о «многокартинности». В команде с хореографом выступили сценограф Даниэль Жаннету, видеохудожник Раймон Кувре и художник по костюмам Оливер Берио. В прямой трансляции 8 февраля 2011 года управление оркестром и соло на скрипке взял на себя Фредерик Ларок. Сольные партии в этот день исполнили Стефан Буйон (Калигула), Клэрмари Оста (Луна), Николя Поль (Мнестер), Орлин Хьюетт (Херея), Матиас Хейманн (Инцитатус), Элеонора Аббаньято (Цезония). Не располагая подробной «поактной» экспликацией балета, достаточно трудно в деталях судить о нюансах его содержательно-психологической стороны, но ясно одно: хореографическое «озарение» Николя Ле Риша носит явно иллюстративный, во многом наивный, но в то же время очень искренний, очень открытый, очень прозрачный характер с точки зрения использованных им выразительно-пластических средств.

Минималистская сценография – по три колонны с каждой кулисы и лестничный марш в центре на заднем плане – вот и всё нехитрое оформление спектакля. Условные балетные костюмы не отличаются ни буйством красок, ни историческими ассоциациями, хотя, как минимум, пара задействованных персонажей достаточно глубоко уводит в историческое прошлое. Это Милония Цезония, четвертая жена Калигулы и мать его единственной дочери, а также Кассий Херея, военный трибун преторианской гвардии, глава заговора против Калигулы и, в конечном счете, его убийца. Римский император выделятся из массовки кордебалета и прочих солистов своим пурпурно-красным одеянием, но вместо классического балетного трико он щеголяет по сцене в шортах! Спектакль богат массовыми сценами, танцевальными и пантомимными ансамблями, лирическими дуэтами. В многочисленных «экстерьерных» монологах Калигула предстает не кровавым тираном-диктатором, о чем напоминает лишь красный цвет его сценического костюма, а этаким сентиментальным мечтателем и философом. Отбросив прочно укоренившийся в массовом сознании стереотип, что Калигула – воплощение мании величия, хореограф предается собственным фантазиям на темы весьма экстравагантного и противоречивого внутреннего мира этого исторического персонажа, не столько глубоко исследуя его, сколько просто изображая средствами старого доброго драмбалета с «классическими подтанцовками», но при этом во французском варианте делается ставка не на реализм, а на минималистскую чувственную абстракцию.

В своей работе Николя Ле Риш показывает мучения слабого человека, способного влюбиться в Луну и идеализировать своего любимого коня Инцитатуса, показывает духовных мир человека, увлеченного театром и играющего свою роль в жизни, как на сцене. По этой причине среди персонажей есть и две аллегории (Луна и Инцитатус), а также фигура Мнестера, известного пантомимного актера времен Калигулы. Спектакль, выстроенный в духе хореографической трагедии, прослеживает постепенное погружение героя во всё большее и большее одиночество до самой его смерти в финале. Два музыкальных пласта спектакля, традиционный и электроакустический, символизируют два состоянии человеческого бытия – реальную жизнь и жизнь преломленную в свете театральной рампы. И переход между ними предстает таким же естественным, как переход от жизни к смерти.

В окрестностях Арля между «Сюитой в белом» и «Болеро»

«Сюита в белом» впервые увидела свет на сцене Парижской оперы в 1943 году. Этот воздушный иллюзорный замок бессюжетной классической хореографии принадлежит к несомненным вдохновенным удачам его создателя Сержа Лифаря и производит не меньшее впечатление, чем, скажем, знаменитые «Этюды» Ландера или «Хрустальный дворец» Баланчина. В исполнении Балета Парижской оперы Москва видела обе работы дважды – в 1958 и 1977 годах. Дважды привозилась в Москву и «Сюита в белом» (в 1958-м и 1970-м). Мое же знакомство с этим опусом Лифаря состоялось только сейчас. Сюиту для своего балета постановщик создал из наивно-мелодичной музыки балета «Намуна» (1882) Эдуарда Лало, главное и, пожалуй, единственное достоинство которой – несомненная дансантность. Лифарь строит свою хореографическую композицию по принципу развернутого гран-па с интродукцией, ансамблевыми номерами, сольными вариациями, обрамлениями кордебалета и финалом-рондо: помпезным построением на сцене всех участников балет начинается – точно также он и кончается. Танцовщики – в классических трико, танцовщицы – как в классических (на старинный манер чуть на конус), так и «сильфидных» воздушно-удлиненных пачках. В целом исполнение сольных вариаций вызвало гораздо больше положительных эмоций, чем ансамблевые композиции и работа кордебалета: увы, не всегда держалась дистанция и соблюдалась линия. В адажио запомнилась очень элегантная пара – возвышенно романтичная Изабель Сьяравола и удивительно пластичный Жозе Мартинез. Свою вариацию (мазурку) безупречно технично исполнил Матьё Ганьо. В целом, впечатление умиротворенности от этой «чистой классики», которой никогда не бывает много, могло бы стать гораздо большим, если бы не отдельные, явно бросавшиеся в глаза технические погрешности некоторых танцовщиков и танцовщиц, но даже и это не могло не укрепить во мнении, что Лифарю своей «Сюитой в белом» удалось создать маленький и весьма стильный хореографический шедевр.

Если «Сюита в белом» открывала программу, то закрывало ее легендарное «Болеро» Мориса Бежара на музыку Равеля, весьма своеобразная пластическая «хореосимфония» ритма, симфония последовательного и безудержного нарастания страсти. «Визуализируемая» мужским кордебалетом – Ритмом и танцующим на круглом подиуме посреди сцены солистом (или солисткой) – Мелодией, эта маленькая симфония, наполненная «буквально осязаемыми» флюидами эротической чувственности, в финале достигает кульминации внезапного окончания, мгновенного снятия статического напряжения, которым за те несколько минут, что идет балет, кажется, успевает наэлектризоваться сам воздух в зрительном зале. Парижская опера привезла две (с точки зрения гендерной принадлежности Мелодии) версии этого опуса: женскую и мужскую. Оба варианта в Москве были показаны с мужским кордебалетом. В вечер моего посещения мне достался солист – наш старый добрый знакомый Николя Ле Риш. Конечно же, этот танцовщик – и поистине синкретически мыслящий артист! – на четверть часа заставил просто обратиться в зрение и слух. До этого мои неоднократные виртуальные знакомства с «Болеро» имели место лишь посредством видео (пожалуй, даже и с гораздо более харизматичными исполнителями), но вживую мне довелось увидеть его впервые, поэтому испытать на себе эффект ожидаемого восторга просто не составило ни малейшего труда… Тем более, что «Болеро» Бежара, созданное им в 1960-м году и вошедшее в репертуар Балета Парижской оперы в 1970-м, эта труппа привозит в Москву впервые. Тем более, что именно этой «хореосимфонической» миниатюре и выпала честь стать главной репертуарной изюминкой нынешних гастролей.

«Арлезианка» на сюжет одноименной драмы Альфонса Доде – еще одна небольшая по продолжительности хореографическая зарисовка. Ее премьера состоялась в 1974 году в Марселе. На сцену Парижской оперы балет был перенесен в 1997 году. Затерявшись, но не потерявшись в плодородных полях Арля где-то посередине программы одноактных балетов, она изящно вписалась между чистой классикой Лифаря и изощренно пластичной хореографией Бежара. На этот раз еще один француз, Ролан Пети, создал сюжетную танцевально-пластическую симфонию для двух солистов (танцовщика и танцовщицы) и кордебалета. Хореография этого опуса в своей фольклорно-фоновой иллюстративной части – чистейшей воды танцевальное ревю, решенное в прямолинейно-абстрактной манере марионеточного театра с явно подчеркнутой иррациональностью и показной нарочитостью пластики. Напротив, если обратиться к чувственно-психологическому аспекту, к тонкой танцевальной образности линий, поз и жестов, составляющих суть языка «сакрального танца для двоих» (интимного хореографического диалога главных героев – Виветт и Фредери), то именно этот аспект так поразительно захватывающе раскрывает всю драматическую коллизию произведения! Как известно, Фредери не в силах вынести измены Виветт, своей ветреной арлезианки, сводит счеты с жизнью, выбрасываясь из окна. Хотя, согласно литературному, первоисточнику балет и называется «Арлезианка», опус Пети всё же гораздо больше «любит» неудачника-героя, чем главную героиню. Начинаешь даже думать, что Пети поставил вовсе не балет под названием «Арлезианка», а балет под названием «Фредери». Исполнитель главной партии Алесио Карбон просто фантастически хорош – выразителен, удивительно обаятелен, техничен (благо, в этой партии ему есть не только, что играть, но и что танцевать). Его герой хрупок и раним, кантилена его движений необычайно певуча и меланхолична. Элеонора Аббаньято, танцующая партию Виветт, роковой избранницы Фредери, предстает вполне уверенной профессионалкой, однако практически бесстрастная, по сравнению с ним, драматическая огранка ее образа эффекта полного эмоционального погружения в подсознательное измерение хореографической абстракции так и не создает. Образу героини явно не хватает масштаба психологического воздействия, соизмеримого с масштабом танцевально-драматического воплощения образа героя, в котором так свободно и естественно ощущает себя подлинно артистическая аура Алесио Карбона.

Парк околобалетных «наслаждений»

Несмотря на то, что «знаменитый» «Парк» Анжелена Прельжокажа – самый продолжительный из привезенных балетов, именно в отношении этого спектакля «растекаться мыслями по древу» хочется меньше всего, ибо сие зрелище само по себе невероятно скучное и малоинтересное. Не спасает его и компиляционная партитура из весьма разнообразной инструментально-симфонической музыки Моцарта, хотя следует заметить, что оркестр Большого театра под управлением бельгийского дирижера Куна Кессельса, сопровождающий эти гастроли в обеих программах, звучит весьма и весьма неплохо. При этом смертельную тоску для зрителя заведомо навевают вкрапления электроакустических композиций Горана Вежводы: под них разворачиваются интерлюдии садовников в стиле замедленной пантомимы, основанной на скульптурно-графической пластике. Причем же здесь садовники? Да притом, что нас пригласили в парк, но не в настоящий французский, а в вымышленный Прельжокажем и преломленный в его не слишком пылком и не слишком изобретательном воображении. Садовники – это те самые «стоящие со свечкой», которые среди пестрого контингента обитателей парка «заботливо» подталкивают Его и Ее к акту физиологического сближения, неминуемо происходящему в третьем акте балета. Структура каждого акта этого опуса такова, что после околотанцевального, практически пантомимного действа, он непременно заканчивается дуэтом главных персонажей. Первый дуэт – встреча, второй – сопротивление, третий – отказ от сопротивления. Всё очень прагматично, всё очень прямолинейно, всё очень художественно примитивно, за исключением действительно впечатляющей хореографии дуэта третьего акта, который из всего балета и можно лишь записать в актив достижений современной хореографии.

Этот балет по своему оформлению (сценограф – Тьерри Лепруст) и костюмам (художник – Эрве Пьер) намеренно эклектичен в том смысле, что в сценографии это «бьющая в глаз» подчеркнуто геометрическая абстракция: прямые линии, столбы-колонны, кубики и треугольники, а в одежде это камзолы и кринолины XIX века (даже «неглиже» финального дуэта выглядит очень воздушно-романтично). Парк Прельжокажа – не прекрасный солнечный денек из первой картины оперы «Пиковая дама» Чайковского. Обстановка парка хмурая и зловещая, в ней сгущаются тучи и нет солнца, хотя ведь ничего страшного и непоправимого в нем не происходит: романтические отношения всегда неизбежно и заканчиваются актом любви. Этот опус Прельжокажа, скорее, – игра в балет, нежели сам балет как полноценная и самодостаточная единица жанра. У него, в принципе, нет сюжета, но он сюжетен. У его персонажей нет собственных имен: все обитатели парка – штатные единицы сугубо нарицательные (садовники, юноши и девушки). Есть Юноша (Флориан Маньене) и есть Девушка (Эмили Козетт). И Он и Она в артистическом плане производят вполне достойное впечатление, хотя так досадно и обидно, что на пути к финальному дуэту оба исполнителя вынуждены размениваться на таких примитивных экзерсисах! Примитив – это та важная категория, с помощью которой и удается дать односложную оценку этому «знаменитому шедевру» Прельжокажа. Уровню его балетмейстерского мышления просто недоступна многоактная хореографическая форма, его «Парк» с номинальным подзаголовком «балет в трех действиях» ничего общего с подлинной многоактностью не имеет. К примеру, «Спартак» Юрия Григоровича – тоже балет в трех действиях. Но посмотрите и то, и другое – и вы поймете, что «Парк» – это, в сущности, совсем не то, за что его пытается выдать прогрессивная балетная критика в отличие от «ничего не понимающего в этом» рецензента.

Я рекомендую

Это интересно

Твитнуть

вам может быть интересно

www.belcanto.ru